buchstäblich

Claudia Barth

* 1987, Zürich

„Eu nao falo portugues“, Performance von Claudia Barth und Isabelle Barth, mit Dandara Modesto, 2019

Claudia Barth (Bildende Kunst) und Isabelle Barth (Schauspiel) arbeiten immer wieder an interdisziplinären Projekten zusammen. In der Performance fanden sie eine gemeinsame Disziplin und mit der Geschichte ihrer Großmutter einen gemeinsamen Inhalt. Seit 2017 sind sie auf den Spuren dieser Geschichte(n) unterwegs. Die Recherchen brachten die beiden Schwestern im Sommer 2018 für einen Monat nach Brasilien, wo sie die Musikerin Dandara kennen lernten, mit der sie in einen künstlerischen Austausch traten und eine Performance entwickelten.

„Eu nao falo portugues“ ist ein performatives Reading, das anlässlich der Tagung in der Albertina stattfindet. Zwei Performerinnen, Claudia Barth und Dandara Modesto, lesen ein imaginäres Skript für ein Roadmovie.

Dafür stöbern sie in staatlichen und privaten Archiven und entdecken im Verlauf ihrer persönlichen Rekonstruktion unterschiedliche Erzählperspektiven. Hinzu kommen sprachliche Differenzen, die Lücken und Missverständnisse, die sich dadurch ergeben und die Darstellung maßgeblich beeinflussen.

„Oh ocean! Oh palmtree!“, diverse Textilien, 2019

Als Relikte der Performance verbleiben einige Objekte von Claudia Barth in der Ausstellung. Die Palme und viele andere tropische Muster haben längst Einzug in unseren europäischen Alltag gefunden. Wir alle kaufen exotische Pflanzen bei Ikea und tragen die tropische Flora und Fauna auf unseren T-Shirts. Aus Kleidungsstücken, die während der Performance getragen wurden, sind mit Chavel Wasser Fragmente aus dem Screenplay herausgeätzt. Die Sprache zerstört hier buchstäblich die Illusion, die die tropischen Muster eigentlich evozieren wollen.

Meg Cranston

* 1960, Los Angeles

„Object Set to Roll“ Ballon und Seil, Durchmesser: 2,00 m, 2019

Die kalifornische Künstlerin Meg Cranston stellt seit 20 Jahren international aus und erhielt zahlreiche Stipendien und Preise. In ihren Skulpturen, Performances, Malereien und Installationen kombiniert sie häufig Texte und Bilder der Populärkultur. Der Ballon im D21 hat ungefähr die Größe eines Besuchers und darf durch den Raum bewegt werden. Die Arbeit reiht sich ein in eine Werkgruppe, in der sich Cranston mit Maßstäben und damit verbundenen Hierarchien beschäftigt. Ein weiteres Beispiel ist die Arbeit „The Complete Works of Jane Austen“ (1991), die aus einer raumfüllenden Skulptur mit einem Durchmesser von etwa 5 Metern besteht. Hier spielt die Künstlerin geschickt mit der Verwirrung unterschiedlicher Bedeutungsebenen. Der Titel bezeichnet buchstäblich das, was ausgestellt ist: Die Luft, die man braucht, um das Gesamtwerk der Schriftstellerin Jane Austen vorzulesen. Meg Cranston berechnet das Volumen und packt es in einen überdimensionalen Ballon. Größe wird hier einerseits im Sinne von Umfang (des Gesamtwerks) verstanden und andererseits in Bezug auf die historische Relevanz der Autorin Jane Austen. Schließlich stehen beide Assoziationen in Relation zur puren physischen Größe der Skulptur. Auch die kleinere Arbeit „Object Set to Roll“ vermittelt eine absurde Körperlichkeit, die sich hier allerdings komplett auf den Besucher im Ausstellungsraum bezieht. Der Titel lädt ein zur Teilnahme und macht gleichzeitig die Grenzen dieser Aktion deutlich. Ein echter Rundgang mit der Arbeit durch die Ausstellung scheitert bereits am Türrahmen.

Guillermo Deisler

* 1940-1995, Santiago de Chile

Künstlerbücher, Mail-Art

Der 1995 verstorbene Chilene, der viele Jahre in der ehemaligen DDR gewirkt und gearbeitet hat, war Bühnenbildner, Bildender Künstler und Autor. Seine Arbeiten verbinden Wort und Bild, sprachliche und bildliche Bedeutung. Dabei war ihm vor allem das Künstlerbuch ein Medium zur Kommunikation mit Anderen, als Teil eines internationalen Netzwerkes, das die Grenzen einer beengten DDR überwinden konnte. Die von ihm am meisten benutzten Techniken waren der Holzschnitt und die Collage. Mit diesen Mitteln entstand eine visuelle Poesie, in der die Textelemente davon entbunden waren, bloße Schriftsprache zur Übermittlung von Inhalten zu sein. Deislers künstlerischer Umgang mit sprachlichen Zeichen wurde durch seine Erfahrungen im Exil verstärkt, da er sich während der Stationen seines Exils er sich mehrmals auf eine ihm fremde Sprache einlassen musste. “Daß die Sprachen untereinander ausschließlich ein Element der Spaltung sind, nicht aber ein internationaler Kodex von Zeichen, die der Verständigung dienen”, löste in ihm eine Suche nach einem “Zeichensystem (aus), das jenseits der Sprache existiert und mit dem ein Gedanke, eine Botschaft zu verstehen und mitzuteilen ist”. In der Ausstellung werden verschiedene Künstlerbücher der Mail-Art gezeigt, in der visuelle Poesie - von der Kunst aus gedacht – als Medium galt. In Staaten mit begrenzten Freiheiten und künstlerischen Produktionsmitteln waren so weitere Ebenen der Verständigung und des Ausdrucks möglich.

exc

Gegründet 2011

"excavation"

exc ist ein Zusammenschluss aus Künstlern, Gestaltern und Musikern, die seit 2011 als "impersonal figure for ephemeral monumentalism, iconic dynamism and critical ornaments" gemeinsam arbeiten. Die Gruppe entwickelt ihre Projekte stets mit dem - oder durch das - Künstlerbuch. Seit zwei Jahren betreibt exc den Showroom "Papier und Gelb" in einem Hinterhof in Düsseldorf. Dort kuratiert exc regelmäßig Präsentationen von Künstlerbüchern und Konzerte elektronischer Musik. Für "buchstäblich" erarbeiten exc eine umfangreiche Sound Video Arbeit, die in Kooperation mit vielen beteiligten Künstlern, Musikern und Literaten entsteht. Beim zweiten Teil von "buchstäblich" präsentiert exc die acht Künstlerbücher, auf denen "excavation" basiert, zusammen mit der Schallplatte des Soundtracks, in einer exklusiven Edition. Darüberhinaus wird der Dummy des finalen "excavation"-Buchs gezeigt, welches als Essenz der acht persönlich verantworteten Aussagen, einer unpersönlichen Figur das Sprechen erlaubt.

FAMED

UNSAID, Neon, 2010

Die Künstlergruppe Famed arbeitet seit 2003 in den Bereichen Installation, Performance und New Media. Ihre Arbeiten setzen sich meist mit politischen Themen auseinander, die sie durch eine Verbindung von Materialien, erstellten oder gefundenen Dingen und Raumbezügen bearbeiten. Sprache und die Bedeutungserweiterung durch die Kombination von Bild und Text sind eine oft gebrauchte Strategie ihres künstlerischen Schaffens.

Ihre Arbeit UNSAID gliedert sich ein in die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten, die deshalb buchstäblich scheinen, weil der Titel genau das sagt, was das Kunstwerk darstellt. Und verfährt ihre Arbeit genau entgegengesetzt. Dieser Widerspruch zwischen Sagen und Nicht-Sagen markiert die besondere Stellung, die diese Arbeit im Kontext der gesamten Präsentation einnimmt.

Katharina Fritsch

* 1956, Düsseldorf

„Hahn“, Inkjetprint, 84,1 x 112,1 cm, 2013/2019

Die Skulpturen und Rauminstallationen von Katharina Fritsch sind oberflächlich betrachtet leicht verdaubare Kost. Häufig handelt es sich um realistische Nachbildungen von Dingen, die man kennt, und die optisch in Sekundenschnelle erfasst werden können. Unbehagen bereitet oft die Größe oder das besondere Arrangement der Arbeiten. Ein Paradebeispiel dafür ist die Arbeit „cock“, die Katharina Fritsch 2013 für einen freien Sockel auf dem Trafalgar Square in London entworfen hat. Die Großplastik mit einer Höhe von fast 5 Metern stand bis 2015 dort, im Anschluss wanderte sie in die National Gallery of Art in Washington DC.

An beiden Orten entfaltet die Arbeit ihr volles Potenzial im Zusammenspiel mit dem jeweiligen Kontext. Zunächst bezeichnet der Titel genau das, was dargestellt ist, einen überdimensional vergrößerten Hahn, der in London zwischen historischen Reiterstandbildern platziert wurde. Zum anderen bezeichnet ,cock’ aber auch auf vulgäre Weise das männliche Geschlecht, und so ist die Arbeit auch eine Anspielung auf Männlichkeit im Allgemeinen. Der Hahn zeigt, dass sich die Begriffe ,buchstäblich’ und ,metaphorisch’ immer auf den jeweiligen Interpretationsprozess beziehen. Sowohl in London als auch in Washington ist „cock“ in einem Umfeld angesiedelt, das von männlichen Machstrukturen geprägt ist. In der Ausstellung im D21 wird eine Fotografie von der Originalplastik an ihrem temporären Standort in London gezeigt.

Elmar Hermann

* 1978, Düsseldorf

„Shining“, Holz, Lack, 40 x 42 x 20 cm, 2016/2019

Im Kunstraum D21 zeigt Elmar Hermann eine Skulptur, die ebenfalls eine Dialogstruktur abbildet. „Negativraum“ – so wird in der Kunst der Raum zwischen zwei Figuren genannt. Einen solchen Negativraum entnimmt Hermann einem Standbild des Horrorfilms „Shining“ von Stanley Kubrick (USA 1980): Es zeigt einen Vater mit seinem kleinen Sohn, die Gesichter sind sich im Profil zugewandt. Die Umwandlung dieses Zwischenraums in eine neue – positive – Form verweist auf das Verlangen, das Unfassbare begreifbar zu machen. Ein Interesse, das Kunst und Sprache miteinander teilen.

Estefanía Landesmann

* 1983 Buenos Aires

Fig. 7, Inkjet print auf Gipswand montiert, 33 x 50 x 2 cm, 2019
Fig. 2, Inkjet print auf Gipswand montiert, 33 x 110 cm, 2019
Fig. 6, Inkjet print auf Gipswand montiert, 96 x 140 x 2 cm, 2019

Estefanía Landesmann ist eine argentinische Künstlerin, die derzeit in Berlin lebt. Für die Ausstellung im Kunstraum D21 arbeitet die Künstlerin mit Fotografien, die sie im letzten Jahr an verschiedenen Orten aufgenommen hat. Diese figures (im Sinne von Abbildungen) zeigen unbelebte, zeitlose Objekte und Situationen, Spuren, die auf Kultur und menschliches Leben verweisen. Es gibt allerdings keine Natürlichkeit in diesen Bildern. Sie zeigen eine vom Menschen konstruierte Realität, ihre Idee von Welt. Eine solche Differenzierung von Wirklichkeit und Künstlichkeit wird von der Künstlerin auf den architektonischen Raum ausgedehnt. Dabei wird der Kunstraum direkt in die Installation einbezogen. Die Fotografien werden zu Dingen, die sich buchstäblich in die vorhandene Architektur einbauen und so das Feld der Abbildung räumlich erweitern. Gezielt nutzt Estefanía Landesmann hierfür Strukturen, die die Funktion des Galerieraumes kennzeichnen, etwa falsche Wände, die nur zu Präsentationszwecken eingezogen wurden. In diese Wände treten ihre Bilder ein und bilden sowohl formal als auch inhaltlich eine Einheit.

Bild und Wand versuchen vergeblich etwas anderes zu sein als das, was sie sind: Oberflächen, Strukturen, Repräsentationen. Unser Blick analysiert, katalogisiert und versteht diese Dinge automatisch anhand unserer Erfahrungen. Vorurteile und kulturelles Gepäck stehen im Vordergrund und bestimmen was wir sehen. Mit ihrer Arbeit analysiert Landesmann das Schauen als Erkenntnisprozess und schafft Wahrnehmungslücken, die den Betrachter dazu zwingen, seinen Umgang mit Begriffen wie „Dokumentation“, „Bild“ und „Realität“ neu zu sortieren.

Emanuel Mathias & Elmar Hermann

Elmar Hermann (* 1978, Düsseldorf), Emanuel Mathias (* 1981, Leipzig)

„Zzzz“, 2019, Fotodruckfolien auf Glasschreiben, 333 x 187 cm, 2019

Elmar Hermann und Emanuel Mathias sind Bildende Künstler, die sich für das Verhältnis von Wissenschaft und Kunst, bzw. Sprache und Bild interessieren. In der Ausstellung realisieren sie eine Kooperation, die sich mit einfachen Prinzipien visueller Kommunikation beschäftigt. Dabei sind Fragen zur Teilhabe des Forschungstiers in einem wissenschaftlichen Kontext relevant. Der Leipziger Zoo beheimatet eins der größten Primatenforschungszentern Europas, spezielle Forschungbereiche bilden Kognition und Spracherwerb. Sowohl Schimpansen als auch Menschen lassen sich vom Gähnen ihrer Artgenossen anstecken, ein möglicher Beleg dafür, dass beide über Einfühlungsvermögen verfügen.

Das Gähnen ist ein reflexartiges Instinktverhalten, das scheinbar alle Wirbeltiere kennzeichnet. Ursache und Zweck des Gähnens sind noch nicht eindeutig geklärt. Neben rein physiologischen Ursachen spielt ein kommunikativer Zweck eine wichtige Rolle. Im Kontext der Ausstellung werden großformatige Fotografien von gähnenden Menschen und Primaten an Fensterscheiben im Max Planck Institut / Zoo Leipzig angebracht.

Dieter Kiessling

* 1957, Düsseldorf

"Fallende Scheibe" Videotape, 0:45 min, 1986
"in front 1"  und "in front 2", 105 x 157 cm, Fotografien auf Alu-Dibond, 2017

Kiesslings Arbeiten sind das Ergebnis einer konzeptuellen Arbeitsweise, die stark durch die Reflektion der eingesetzten Medien geprägt ist. In seinen Fotografien, Videos und Skulpturen nutzt er die Eigenschaft des jeweiligen Materials für minimale, häufig zirkulär aufgebaute Untersuchungen. So sind die Video- und Objektinstallationen Kiesslings weniger Anlass einer ästhetischen Empfindung, sondern vielmehr Quellen der Irritation von Wahrnehmung und Erwartung.

Ein älteres Video - mittlerweile schon ein Klassiker - zeigt eine weiße Scheibe, die auf einen schwarzen Untergrund fällt und zerspringt. Nach wenigen Sekunden fällt der Untergrund, eine schwarze Platte, auf einen grauen Untergrund und zerspringt ebenfalls. Der Titel „Fallende Scheibe“ ist nichts anderes als die sprachliche Beschreibung dieses Vorgangs. Buchstäblichkeit zieht sich seitdem wie ein roter Faden durch Kiesslings Arbeiten. So auch die neuesten Fotografien, die den Künstler zeigen, wie er auf dem Boden liegend den Auslöser der Kamera betätigt. Der analytische Blick auf das Medium und die Simulation von Körper und Raum bilden Konstanten in Kiesslings gesamten Werk. Die Arbeiten veranschaulichen zudem, dass Reduktion und Buchstäblichkeit nicht zwangsläufig in Minimalismus resultieren, sondern zu überraschend unvorhersehbaren und visuell komplexen Ergebnissen führen.

Walter Libuda

* 1950, Berlin

„Die Frucht“, Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm, 2015

Walter Libudas umfangreiches Werk ist nicht leicht zu fassen. Zum einen, weil es von beinahe beispielloser Vielgestaltigkeit ist: Bühne, Bildkasten, alles ist möglich. Vor allem aber ist er Maler und Zeichner. Was Libuda darstellt, verbleibt oft rätselhaft, ist weder abstrakt noch gegenständlich, weder konstruktiv noch realistisch. Aus den Oberflächen des Alltags entleiht er bestenfalls vage Muster, um sie seinen sehr speziellen Bildwelten einzuverleiben. Bildwelten, die ein Geheimnis bergen, das sich nicht universal erkennen, entschlüsseln oder mitteilen lässt. Auch die Bildtitel, die Libuda bewusst vergibt, helfen hier nicht weiter. In ihnen setzt sich das Verwirrspiel fort, das zwischen Verstehen und Nicht-Verstehen, Hinterfragen und Amüsiertsein hin- und her schwankt.

Walter Libuda betreibt keine Malerei im überkommenen Sinn, Ziel ist nicht die Darstellung, sondern der Prozess des Umwandelns. Wie malt man einen Geruch, ein gelesenes Buch oder ein erlebtes Gespräch? Malerei wird hier zum intermedialen Produkt und der Künstler zum Konverter.

Markus Vater

* 1970, London

„Die Worte der anderen trinken“:
„Zeichnungen für Primaten“, bemaltes Naturpapier, 2019
„Entstehungsmythen“, Video , 15min, 2019
„Alternativen zur Kultur“, Video, 13min, 2019

Mit ganz einfachen Mitteln stellt Markus Vater Fragen an die Erklärbarkeit der Welt, ihren metaphysischen Sinn im Unsinn. Es verbinden sich Bild und Text, Zeichnung und Zeichen. Poetisch und humorvoll zeigt Vater die Möglichkeit einer Welt mit anderen Gesetzen, die dennoch mit der vertrauten Welt irgendwie zusammenhängt. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit den großen Fragen der Menschheit, wie jener nach Ursprung und Ende der menschlichen Zivilisation, sie lassen aber auch Raum für eigene Assoziationsketten und geben Anregung für neue und unerwartete Antworten auf existentielle Fragen.

Für Leipzig konzipiert Markus Vater seine Arbeiten für den Zoo: „Die Worte der anderen trinken“ umfasst neben zwei neuen Videoarbeiten, die im Pongoland gezeigt werden, auch einen Stapel von Zeichnungen. Gemeinsam mit dem dort ansässigen Max Planck Institut für evolutionäre Anthropologie ist geplant, dass diese Papierbahnen den Primaten ins Gehege gereicht werden. Interessant ist, dass die Affen diese Zeichnung zwar sehen aber wohl nicht deuten könnten. Der Künstler reflektiert die täglichen Abläufe in der Forschungsstation, deren Aufgabe es ist Verstehensprozesse der Tiere zu rekonstruieren. Dabei greift er Themen wie Wahrnehmung, Zusammenarbeit und Langeweile auf, die für Forscher und Tiere elementar sind.

Auf Monitoren, die normalerweise die Arbeit der Forscher im Max Planck Institut demonstrieren, werden Vaters Videos gezeigt. In Intervallen imitiert eine im Wald stehende Person Tiergeräusche von domestizierten Tieren wie Hund, Schaf, Katze, Kuh und Pferd. Alle Arbeiten verbindet ein besonderer Witz, der aus dem Aufeinanderprallen unterschiedlicher Stufen kultureller Evolution resultiert.

Anna Schimkat & Michael Barthel

Anna Schimkat (* 1974, Darmstadt), Michael Barthel (* 1977, Ost-Berlin)

„A VOCHEL WO RED“, Installation und Konzert, 2017/2019

Die beiden Klangkünstler, Anna Schimkat und Michael Barthel arbeiten seit 2016 als Duo zusammen. Schimkat, von der Bildhauerei kommend, befasst sie sich aus diesem Grund vor allem mit dem Raum. Dabei spielt für sie der Klang als nicht entziehbare Wahrnehmung eine fundamental wichtige Rolle, da er „mit dem Erleben, Empfinden und (Selbst-)Wahrnehmen des Körpers und seiner Umgebung sowie dem Austausch zwischen den Menschen“ (A. Schimkat) verbunden ist. In ihren Arbeiten hinterfragt sie den vorgefundenen Raum, entwickelt neue Wahrnehmungsräume und konzentriert sich auf den darin befindlichen Klang. Ihr Material ist der gefundene Ton der Dinge, während der umgebende Raum als Inspiration dient, sich spielerisch forschend damit auseinander zu setzen.

Michael Barthel, beginnt 1994 sich mit Experimenteller Musik anhand erster eigener Aufnahmen und Veröffentlichungen auf Kassette auseinanderzusetzen. In den folgenden Jahren widmet er sich immer stärker der Lautpoesie und der Lyrik. Seit 2010 ist die Stimme sein ausschließliches Instrument für Konzerte und Tonträger.

Die installative Arbeit „A VOCHEL WO RED“ beschäftigt sich mit der Tradition der Tierstimmenimitation. Sie konzentriert sich beispielhaft auf Vogelstimmen, da diese zur Bestimmung der einzelnen Arten wichtiger in der Tierbeobachtung gehandelt werden, als bei anderen Tieren. Der Wille des Menschen dieses Geflecht zu entschlüsseln und zu kartografieren wird ad absurdum geführt durch den Einsatz einer Texterkennungssoftware, die Klang in Schriftsprache übersetzt. So wurden aus Feldaufnahmen (Truthähne, Hühner, Möwen) Lautgedichte, die auf Schallplatten als Duett gesprochen und auf Sprachblättern geschrieben werden. Bei einer Live Aufführung in der Bibliothek Albertina greifen Barthel und Schimkat das akustische Gewebe der Naturgeräusche auf, versuchen in den sie enthaltenen riesigen Vorrat an Informationen einzudringen und abstrahieren auf ihre Weise mit Geräuschen, Stimmen und Flöten.

Tilo Schulz

* 1972, Berlin

Tilo Schulz: „Dieses Kunstwerk ist verschollen. Ohne Titel“, Siebdruck, gerahmt, 2010

Tilo Schulz ist Künstler, Autor und Kurator. Häufiges Thema seiner künstlerischen Arbeiten ist die Beschäftigung mit Zwischenräumen, Grenzen und Zonen, wobei der Betrachter, d.h. der Prozess des Verstehens, im Vordergrund steht. Schulz arbeitet dabei oft mit räumlich realisierten Metaphern, die den Rezeptionsprozess seiner Arbeiten offenlegen.

In seiner Arbeit „Dieses Kunstwerk ist verschollen. Ohne Titel“ verwickelt er den Betrachter in ein Verwirrspiel zwischen Realität und Fantasie, Wahrheit und Lüge, Objekt und Abbild. Auf den ersten Blick erscheint die Arbeit in naiver Buchstäblichkeit – trocken gibt es Angaben zu einem vermeintlich anderen Kunstwerk preis, in kleinen Lettern, so dass man nah herantreten muss. Doch auf den zweiten Blick wird klar, dass die Arbeit nicht die Platzhalterfunktion hat, die es vorgibt, sondern selbst Kunstwerk ist, seine Stellvertreterrolle nur nach vorn hält, um den Betrachter anzulocken. Und schon beginnt das Spiel. Gleich Magrittes „Ceci n’est pas une pipe.“ hinterfragt Schulz die Beziehungen, die zwischen einem Objekt, seiner Präsenz und seiner Geschichte existieren. Und ist dabei genau dort, wo er hin will: zu den Zwischenräumen des Verstehens, des Bedeutens, des Sagens.

Bibliothek Albertina

Die Bibliothek Leipzig wurde 1543 gegründet und ist die zweitälteste Universitätsbibliothek Deutschlands. Heute wird die Bibliotheca Albertina als geisteswissenschaftliche Zentralbibliothek und Archivbibliothek der Universität Leipzig genutzt. Zu den Beständen gehören ca. 5,5 Millionen Medieneinheiten und rund 6 500 laufende Zeitschriften. Darüber hinaus besitzt die Bibliothek eine Reihe von Sondersammlungen, darunter ca. 10100 Handschriften und eine bedeutende Papyrussammlung.

Bibliothek Albertina
Beethovenstraße 6
04107 Leipzig
www.ub.uni-leipzig.de

D21 Kunstraum

Im April 2006 gründete sich der D21 Kunstraum mit dem Ziel ein internationales Ausstellungsprogramm zeitgenössischer Kunst, vor allem aus den Bereichen Neue Medien, Installation und Performance, in Leipzig zu zeigen. Im selben Jahr konnte durch den Einsatz der Gründungsmitglieder ein eigener Ausstellungsraum in Leipzig-Lindenau eröffnet werden. Der D21 Kunstraum versteht sich als Plattform und Experimentierfeld für Künstler/innen und Ausstellungsmacher/innen.

D21 Kunstraum
Demmeringstraße 21
04177 Leipzig
www.d21-leipzig.de

Max Planck Institut für evolutionäre Anthropologie

Das Institut erforscht die Geschichte der Menschheit mittels vergleichender Analysen von Genen, Kulturen, kognitiven Fähigkeiten und sozialen Systemen vergangener und gegenwärtiger menschlicher Populationen sowie Gruppen dem Menschen nahe verwandter Primaten. Ein Teil der Forschungseinrichtung ist in den Zoo Leipzig (Pongoland) integriert.

Max Planck Institut für evolutionäre Anthropologie
Pongoland Zoo Leipzig
Kickerlingsberg 20
04155 Leipzig
www.eva.mpg.de

ROTORBOOKS

ROTORBOOKS wurde 2018 von Anke Schleper und Daniel Niggemann gemeinsam gegründet. Das Ladenlokal in der Kolonnadenstraße war ursprünglich eine Metzgerei und zuletzt ein russisches Feinkostgeschäft. Das Angebot von Rotorbooks reicht von Theorie über zeitgenössische Philosophie bis zu Kunst, ein Schwerpunkt liegt auf Selfpublishing und Künstler-Publikationen.

ROTORBOOKS
Kolonnadenstraße 5
04109 Leipzig
www.rotorbooks.de

Elmar Hermann:
abcdefghijklmnop qrstuvwxyz

Die kurze Einführung fokussiert das Zusammenspiel künstlerischer und wissenschaftlicher Beiträge im Bereich des Literalen. Elmar Hermann ist Bildender Künstler und Sprachwissenschaftler und hat das Symposium gemeinsam mit Frank Liedtke (Universität Leipzig) und Constanze Müller (Kunstraum D21) organisiert.

Christine Domke:
Text/Bild. Zur Gestalt(ung) von Kommunikation im öffentlichen Raum

Im Zentrum des Vortrags steht die exemplarische Untersuchung des Zusammenspiels von konkreter Textgestalt, Funktionalität und ästhetischer Ausdifferenzierung der Vielzahl öffentlich wahrnehmbarer Texte. Auf der Basis eines Korpus aus gut 5.500 Fotos von großstädtischen Betextungen wird zunächst herausgearbeitet, welche Diskurse (wie der infrastrukturellem, der kommerzielle u.a.) und welche Kommunikationsformen (wie das klassische Plakat, die digitale Anzeigetafel, der QR-Code u.a.) in der urbanen Betextung wahrnehmbar werden. Im Anschluss wird exemplarisch untersucht, welche Gestalt(ung) von Texten wir gegenwärtig beobachten können, wenn wir im Alltag durch Städte gehen, eilen, pendeln, spazieren. Im Fokus steht dabei auch die Frage, ob und welche Relationen zwischen der konkreten typographischen Gestaltung und pragmatischen Nützlichkeit deutlich werden.

Christine Domke ist Professorin für Theorie und Praxis sozialer Kommunikation an der Hochschule Fulda.

Phillip Schulze:
Literal Sound. Minimalism and Experiments in Music Composition.

In seinem Vortrag wird Phillip Schulze eine Einführung in die Amerikanische Minimal und Experimentelle Musik geben, mit besonderem Fokus auf dem Komponisten Alvin Lucier (*1931) und seiner Komposition „I am sitting in a room“ aus dem Jahre 1969. Dieses Stück ist ein Meilenstein und Evergreen der elektronischen Komposition, und ein frühes Beispiel der prozessorientierten und ortsspezifischen Musik, und ist in vielerlei Hinsicht außergewöhnlich: Hier findet eine Verbindung und Übersetzung von Text (der zugleich Libretto, Notation und Ausführungsanweisung ist), Klang, Technik und Naturphänomenen (insbesondere akustische Resonanzen) statt, und dies mit scheinbar simpelsten Mitteln. „I am sitting in a room“ ist eine sich auf vielen Ebenen komplex auffächernde Komposition, basierend auf einer simplen zugrundeliegenden, selbstreflektierenden Struktur.

Phillip Schulze ist Komponist und Medienkünstler und hat in den 2000er Jahren an der Wesleyan University, USA bei Alvin Lucier, Anthony Braxton und Ron Kuivila Komposition studiert.

Claudia & Isabelle Barth:
Eu nao falo portugues

Claudia Barth (Bildende Kunst) und Isabelle Barth (Schauspiel) arbeiten immer wieder an interdisziplinären Projekten zusammen. In der Performance fanden sie eine gemeinsame Disziplin und mit der Geschichte ihrer Großmutter einen gemeinsamen Inhalt. Seit 2017 sind sie auf den Spuren dieser Geschichte(n) unterwegs. Die Recherchen brachten die beiden Schwestern im Sommer 2018 für einen Monat nach Brasilien, wo sie die Musikerin Dandara kennen lernten, mit der sie in einen künstlerischen Austausch traten und eine Performance entwickelten.

„Eu nao falo portugues“ ist ein performatives Reading, das anlässlich der Tagung in der Albertina stattfindet. Zwei Performerinnen, Claudia Barth und Dandara Modesto, lesen ein imaginäres Skript für ein Roadmovie.

Dafür stöbern sie in staatlichen und privaten Archiven und entdecken im Verlauf ihrer persönlichen Rekonstruktion unterschiedliche Erzählperspektiven. Hinzu kommen sprachliche Differenzen, die Lücken und Missverständnisse, die sich dadurch ergeben und die Darstellung maßgeblich beeinflussen.

Olaf Jäkel:
Metapher und Wörtlichkeit

Nach der aktuell wahrscheinlich wirkmächtigsten kognitiven Metapherntheorie (Lakoff & Johnson 1980) ist unsere ganz normale Alltagssprache stärker metaphorisch, als vormals oder auch von anderen Ansätzen der Metapherntheorie angenommen. Im Vortrag wird ein Klärungsversuch folgender Frage unternommen: Wie ist aus systemlinguistischer Sicht das Begriffspaar metaphorisch versus wörtlich sinnvoll zu verstehen und analytisch zu verwenden? Beleuchtet werden soll zudem, wie es sich mit metapherntheoretischen Zuschreibungen wie konventionelle, kreative, poetische, gezielte oder tote Metapher verhält. Dem interdisziplinären Rahmen angemessen, können hierzu außer Sprachbeispielen auch Erscheinungsformen von Metaphorizität aus anderen Modalitäten herangezogen werden, insbesondere natürlich Bildlichkeit.

Olaf Jäkel ist Professor für Anglistische Sprachwissenschaft und ihre Didaktik am Institut für Sprache, Literatur und Medien der Europa Universität Flensburg.

Anna Schimkat & Michael Barthel:
A VOCHEL WO RED

"A VOCHEL WO RED" ist eine Aufführung, die sich mit der Tradition der Tierstimmenimitation beschäftigt. Die Arbeit konzentriert sich beispielhaft auf Vogelstimmen, da diese zur Bestimmung der einzelnen Arten wichtiger in der Tierbeobachtung gehandelt werden, als bei anderen Tieren. Der Wille des Menschen dieses Geflecht zu entschlüsseln und zu kartografieren wird ad absurdum geführt durch den Einsatz einer Texterkennungssoftware, die Klang in Schriftsprache übersetzt. So wurden aus Feldaufnahmen (Truthähne, Hühner, Möwen) Lautgedichte, die auf Schallplatten als Duett gesprochen und auf Sprachblättern geschrieben werden. Barthel und Schimkat greifen das akustische Gewebe der Naturgeräusche auf, versuchen in den sie enthaltenen riesigen Vorrat an Informationen einzudringen und abstrahieren auf ihre eigene Weise mit Geräuschen, Stimmen und Flöten. Bei der Aufführung der Arbeit in der Bibliothek Albertina werden die Lautgedichte in einem speziell arrangierten Setup vorgetragen.

Anna Schimkat und Michael Barthel arbeiten seit 2016 gemeinsam als Klangkunstduo.

Frank Liedtke:
Bildlichkeit und Implikaturen

Was eine wörtlich gemeinte Äußerung ist, scheint unmittelbar einleuchtend zu sein: Sie bedeutet genau das, was die geäußerten Worte bedeuten, sie ist nicht ironisch oder bildhaft gemeint. Wie kommt es dann aber, dass die meisten LeserInnen folgenden Satz für falsch halten: ‚Einige Giraffen haben einen langen Hals.‘ Wörtlich verstanden ist dieser Satz zutreffend, denn wenn alleGiraffen einen langen Hals haben, dann auch einige. Dass er trotzdem als unzutreffend beurteilt wird, liegt daran, dass eine wörtlich gemeinte Äußerung über die Bedeutung der einzelnen Worte entscheidend hinausgeht. Dieses Darüberhinausgehende wird als Implikatur bezeichnet; sie führt in diesem Fall dazu, dass wir die Lesart ‚Nicht alle Giraffen haben einen langen Hals‘ mitverstehen. Wörtlichkeit beinhaltet somit auch Implikaturen unterschiedlichen Typs. Kann man einen vergleichbaren Schlussprozess im Sinne von Implikaturen auch für bildhafte Wahrnehmung annehmen, und falls ja, wie ließe sich dieser ausbuchstabieren?

Frank Liedtke ist Professor für Germanistische Linguistik/Pragmatik am Institut für Germanistik der Universität Leipzig.

Constanze Müller:
"Ausstellungseröffnung"

Das Symposium schließt mit dem Beitrag „Ausstellungseröffnung“ im D21 Kunstraum und eröffnet gleichzeitig die zum Projekt gehörige Ausstellung. Der Beitrag beschäftigt sich mit dem kuratorischen Hintergrund der Ausstellung und stellt die beteiligten Künstler_innen vor. Constanze Müller ist Kunstvermittlerin und Vorstandsmitglied des D21. Sie hat gemeinsam mit Elmar Hermann die Ausstellung „buchstäblich“ kuratiert.